A Dramaturgia em foco (ISSN 2594-7796), Qualis B2 no quadriênio 2021-2024, dedica-se à publicação de textos acadêmicos (artigos, relatos e ensaios) cujas análises se concentrem na dramaturgia em si ou na dramaturgia comparada a outros textos, outras artes e mídias. Conta também com seções específicas para traduções, peças curtas originais e entrevistas. A periodicidade da revista é semestral. Sua criação está vinculada ao Grupo de Pesquisa Narrativas e Visualidades (CNPq-Univasf).
A gente chega ao fim da vida só com nossas palavras
Procura-se apresentar a peça Nossa vida em família, de Oduvaldo Vianna Filho (Vianinha). Ela foi publicada pela primeira vez em 1971 e reeditada pela Editora Temporal em 2024, sob organização da professora e pesquisadora Maria Sílvia Betti (FFLCH-USP). A obra em pauta foca a situação de exploração e marginalização do trabalhador, sobretudo quando este chega à velhice, nas relações de produção do sistema capitalista, apontando as decadências pessoais e familiares. A peça evidencia a atualidade do pensamento e do trabalho dramatúrgico de Vianinha, que jamais passou ao largo das difíceis questões históricas, políticas, sociais, culturais e econômicas do país, as quais, em alguma medida, continuam candentes e merecedoras de aguda atenção. Suas peças tratam, sobremaneira, da condição do cidadão comum diante das estruturas de poder que o oprimem e o mantêm em estado de vulnerabilidade em meio às engrenagens (trucidantes) do capitalismo, em particular, como é o caso de Nossa vida..., dentro do contexto do regime militar no Brasil, desencadeador de problemas como a crise habitacional e o arrocho salarial na década de 1970.
O presente artigo tem como objetivo mapear, na crítica de Sábato Magaldi, como a consciência teatral, termo apresentado pelo autor em seu texto “O teatro moderno”, presente no livro O período moderno, torna-se basilar para consolidação da modernidade teatral. Com isso, propõe-se investigar, em algumas de suas críticas, os elementos compositores deste elemento fundador do conceito de moderno para Magaldi.
Dramaturgia brasileira, História do Teatro, Artes Cênicas, Teatro Brasileiro
Introduz-se brevemente a obra de Roberto Gomes, com foco na peça A casa fechada, apresentando o contexto histórico em que foi produzida e qual a sua contribuição para o teatro brasileiro. Em seguida, publica-se o texto da peça na íntegra.
Esta peça curta foi escrita durante a disciplina Criação Literária: Peças Teatrais (ministrada pela Prof.ª Dr.ª Cássia Lopes), no curso de Letras Vernáculas da Universidade Federal da Bahia (UFBA). A escolha pela obra dramatizada se deu pelo desejo de revisitar a obra de um dos maiores autores de todos os tempos, a partir de uma nova linguagem, explorando as potencialidades de um texto teatral. Trata-se da adaptação do conto “Maria Cora”, de Machado de Assis, publicado em “Relíquias de Casa Velha” (1906) – originalmente, o conto foi inserido em “A estação” e escrito entre 15 de janeiro e 31 de março de 1898, com outro título: “Relógio parado”.
Esta resenha de quatro peças da autora mineira Sílvia Gomez pode começar pela constatação: um traço importante de sua dramaturgia é a atenção dada às personagens femininas, a ênfase no ponto de vista das mulheres. Os textos refletem os seus problemas ou partem deles: maternidade e adoção na cômica e ácida Mantenha fora do alcance do bebê, de 2007, encenada em 2015; violência sexual em Neste mundo louco, nesta noite brilhante, de 2018, encenada no ano seguinte. Em A árvore, monólogo realizado de modo remoto em 2021, talvez a alegoria da pessoa aos poucos transformada em vegetal se pudesse ligar a uma figura masculina, mas a opção foi novamente por uma personagem mulher. Em Lady Tempestade (estreada em 2024), Sílvia reelabora a história da advogada pernambucana Mércia Albuquerque, constante na defesa dos presos da ditadura civil-militar, e o uso dos diários de Mércia como apoio para a invenção dramatúrgica já ancora o texto nesse universo – amplo e diverso, evidentemente.
O homem da camisa branca - para além da fresta
O texto dramatúrgico "O Homem da Camisa Branca - Para Além da Fresta" parte da simbólica imagem do jovem chinês que enfrentou uma coluna de tanques de guerra em 1989. Em 05 de junho de 1989, um dia após o exército chinês ter dispersado violentamente o protesto de milhares de estudantes na Praça da Paz Celestial, um jovem desarmado enfrentou sozinho uma coluna de tanques de guerra, impedindo seu avanço. Este breve instante de protesto pacífico, registrado pela mídia mundial, tornou-se um dos maiores ícones de resistência do séc. XX. Naquele momento histórico, o que o mundo viu foi um homem desafiando, não apenas uma máquina, mas todo um sistema. No monólogo, o foco de atenção é o outro, invisível à mídia, o condutor do tanque. Desenvolvido com o apoio do Prêmio Estímulo de Novos Textos de Dramaturgia para Teatro – 2008 da Secretaria do Estado da Cultura do Governo de São Paulo e com a Companhia Phila7, o texto aborda a cena histórica a partir de diferentes pontos de vista, problematizando a imagem e a presença.
Este trabalho apresenta uma reflexão sobre a peça O patinho torto ou Os mistérios do sexo, de Coelho Neto, que será publicada nesta edição da revista. O objetivo é destacar a atualidade do texto, sobretudo no que se refere às questões de gênero, sexualidade e resistência cultural. A partir de uma análise histórico-crítica, procura-se recuperar uma obra pouco lembrada pela historiografia teatral brasileira, evidenciando sua relevância tanto para compreender o contexto do início do século XX quanto para dialogar com debates contemporâneos.
Performatividade e política em Cárcere ou porque as mulheres viram búfalos
O artigo trata das relações entre teatro e sociedade a partir da dramaturgia e encenação do espetáculo Cárcere ou porque as mulheres viram búfalos, peça de Dione Carlos com a Companhia de teatro Heliópolis. Quanto ao método, a análise textual surge aqui justaposta à leitura formal do espetáculo, para investigar os modos como a montagem apresenta as tensões entre duplos de categorias, a saber: no plano de fundo, classe social e identidade. No plano estético, a performatividade imediatamente política. O estudo orienta-se pelo repertório da teoria crítica.
Cárcere ou porque as mulheres viram búfalos
A construção social do medo e a repressão à homossexualidade no Brasil, a partir da peça Nosso filho vai ser mãe, de Walmir Ayala
Este artigo propõe uma análise inédita da peça Nosso filho vai ser mãe (1965), do dramaturgo gaúcho Walmir Ayala (1933-1991), ampliando o percurso iniciado por Luis Canales (1981), que a destacou como a primeira obra com temática homossexual no teatro brasileiro. Embora Ayala tenha desenvolvido vasta produção literária — como poeta, memorialista e crítico de arte — sua dramaturgia permanece pouco explorada pela crítica e pela pesquisa acadêmica. Partindo da constatação desse apagamento, buscamos reposicionar sua contribuição no panorama historiográfico da dramaturgia nacional, sobretudo em diálogo com autores marginalizados pela academia. Nossa investigação baseou-se em levantamento bibliográfico em bancos acadêmicos, constatando que, até hoje, não há estudos dedicados, especificamente sobre essa peça, e, com exceção de Canales (1981), nem à dramaturgia de Ayala em geral. Assim, propomos uma leitura crítica de Nosso filho vai ser mãe, destacando a construção social do medo e a repressão à homossexualidade no Brasil, evidenciada em cenas como a violência sofrida por um jovem, descrita pelo protagonista da peça. Essa representação articula-se com a repressão histórica vivida pela comunidade LGBTQIAPN+ no período da ditadura civil-militar (1964-1985), mas não somente, e ainda. Na tentativa de trazer novamente o Ayala dramaturgo para os estudos acadêmicos brasileiros, este artigo busca ampliar a visibilidade de dramaturgos LGBTQIAPN+, promovendo uma revisão do cânone e reafirmando a relevância de sua obra em nosso contexto artístico-cultural.
O objetivo deste artigo é refletir sobre aspectos da criação dramatúrgica (práticos e teóricos) concretizados a partir das experiências de escutas de crianças no contexto do Grupo Teatral Esparrama. Esses processos começaram em um projeto chamado Navegar (2017) e seguiram em desenvolvimento até um dos trabalhos mais recentes, no espetáculo Cidade Brinquedo. O foco dessas criações é a busca por processos colaborativos que desembocaram nas construções dramatúrgicas. Serão articuladas às fundamentações teóricas as imagens poéticas de “quintal” e de “criançamento”, propostas pelo próprio grupo, presentes em dois poemas de Manoel de Barros. A partir dessas reflexões, considera-se, finalmente, que as metáforas oferecidas por Barros oferecem pistas para pensar os conceitos de experiência (Benjamin) e práxis/palavração (Freire). Conclui-se, assim, que o brincar é uma forma de “palavração” das crianças, assim como a escuta sobre o que compreendem da cidade. Assim, transformar a cidade em quintal, através do teatro, é compreendê-la, transformá-la e ser transformado por ela, daí o mote: “brincar, brincar, brincar até cidade virar brinquedo”.
Fábula e a escrita de si em A verdadeira estória de Jesus de W. J. Solha
Neste artigo, apresenta-se a peça A verdadeira estória de Jesus (montada em 1988), de W. J. Solha, mediante duas frentes de discussão: a primeira delas, situando o enredo como uma construção que põe em debate os modos como o dramaturgo fratura a forma do drama, mediante as exigências internas daquilo o que se chama de uma estória, resultado da exposição dialogada entre personagens ‘em cena’, em face do processo em que se engendra a criação estética de um líder messiânico via aspectos do monomito; a segunda frente é aquela em que se discute a relação entre processos estéticos e escritas de si como parte de um gesto adaptativo e da passagem de uma obra romanesca para uma obra dramatúrgica. A apresentação e estudo dessa obra abre novas sendas para a compreensão da cena paraibana nos anos de 1980, até então, muito adstrita às tendências regionalistas, ao passo em que avança para uma compreensão da obra do dramaturgo em comento.
Este esquete tem origem em disciplina optativa de prática de dramaturgia, realizada no Departamento de Artes Cênicas da UnB em 2013 e 2019. Os estudantes escreviam cenas curtas que, em seguida, eram lidas por eles próprios. Depois, conversávamos sobre os textos. Antes da criação e da leitura coletiva das cenas, víamos peças curtas ou longas de, por exemplo, Anton Tchékhov, Oswald de Andrade, Plínio Marcos e Woody Allen, além de consultarmos teóricos como Martin Esslin (Uma anatomia do drama), Renata Pallottini (Introdução à dramaturgia) e Joseph Danan (O que é a dramaturgia?), este identificado a práticas contemporâneas. A certa altura, resolvi também participar do exercício, mostrando à turma de 2019 o texto breve a seguir.
Neste artigo apresento argumentos para considerar que, apesar de a peça Gota d’água, de Chico Buarque e Paulo Pontes, ter como resumo a história de uma mulher, Joana, abandonada por seu marido, Jasão, por uma mulher mais nova, Alma, a obra apresenta uma relação dialética, típico do modo trágico de Peter Szondi, no conflito entre Joana e Creonte, o pai de Alma. Esse conflito da peça se desdobra em outro movimento dialético do conteúdo da peça com relação à realidade social a partir da perspectiva da relação dialética entre tragédias e sociedade proposta por Raymond Williams: Joana mobiliza o saber popular encantado das religiões de matriz africana a se contrapor à pseudo-razão do modo de produção capitalista financeirizado, o que é um diagnóstico social observável na movimentação capitalista de extermínio de tudo aquilo que não lhe ofereça utilidade – diagnóstico que se tem a partir de Silvia Federici e Robert Kurz.
Esta pesquisa investiga o processo de adaptação dramatúrgica e encenação da peça Navalha na carne, escrita por Plínio Marcos em 1967 e remontada em 2023. Apresentamos um breve estudo sobre as personagens plinianas e os debates sociais em torno da dramaturgia, além de salientar uma etapa importante da montagem de Navalha na carne em questão: o entendimento da violência arquitetada pelo autor. São compreendidos, aqui, não apenas os impactos dessa violência para o desenvolvimento narrativo das personagens, mas também como a violência do escrito pliniano influenciou os estágios de adaptações dramatúrgicas e criações cênicas. O trabalho busca contribuir, sobretudo, para o debate sobre os tensionamentos e os novos significados que a cena teatral contemporânea pode gerar ao encenar dramaturgias do século passado, cujas temáticas ainda ressoam em questões sociais de opressão na atualidade.
O relato tem como objetivo examinar a trajetória da mulher dramaturga no Brasil, destacando tanto os obstáculos históricos de invisibilidade quanto as conquistas recentes de afirmação artística e política. A autora adota uma abordagem crítica e pessoal, articulando sua experiência como dramaturga e formadora com referenciais teóricos do feminismo, especialmente Virginia Woolf e Gayatri Spivak, para analisar a condição subalterna das mulheres na dramaturgia. O método consiste em revisão histórica e crítica de textos e autoras — de Júlia Lopes de Almeida às dramaturgas da geração de 1969 e às novas vozes do século XXI — em diálogo com contextos sociais, políticos e culturais. A originalidade do estudo está em preencher a lacuna teórica sobre a presença feminina no teatro brasileiro, tradicionalmente silenciada. Como resultado, evidencia-se a escassez histórica de dramaturgas reconhecidas e a emergência contemporânea de autoras com pautas de gênero, raça e classe. A contribuição central é propor um olhar renovado sobre a dramaturgia brasileira, ampliando o cânone e oferecendo instrumentos para repensar teoria e prática teatral a partir de perspectivas plurais e feministas.
O artigo realiza uma análise dos procedimentos literários adotados por Lourdes Ramalho voltados a ressignificar a figura do pícaro ibérico do século XVI nos cordéis dramatúrgicos Malasartes Buenas Artes (Ramalho, 2004) e Novas aventuras de João Grilo (Ramalho, 2008), tendo como base a teoria da figuração de personagens (Reis, 2017), dadas as mudanças empreendidas para que os protagonistas desempenhem o impulso utópico (Moylan, 2003) qual heróis engajados nas lutas pelo bem popular. Imortalizados nos contos populares da Península Ibérica, Pedro Malasartes e João Grilo são figuras ancestrais de proa do repertório de histórias de tradição europeia que atravessa o Atlântico rumo à colônia portuguesa para criar raízes em solo brasileiro. Da análise realizada, constata-se que a refiguração do pícaro ibérico, anteriormente marcado pela performance da travessura, representa uma alternativa criativa de ressignificação dos modos de ser, pensar e agir em relação à sacralidade da Natureza (Murdock, 2022), com base na cosmovisão utópica para suscitar no público uma consciência ecossociopolítica acerca da urgência de atitudes heroicas de defesa do meio ambiente.
Uma abordagem filosófica do teatro de Nelson Rodrigues
Afirmamos que, frente à hegemonia exercida por teóricos que consideram o teatro de Nelson Rodrigues como marco inicial da cena moderna no Brasil, não basta fazer uma revisão de literatura para compreendê-lo. Isso porque, tomando como parâmetro autores do campo filosófico como Georg Lukács, Peter Szondi e Raymond Williams, os quais estabeleceram um paralelo entre a modernidade e a feição que o gênero dramático adquire a partir do Renascimento, percebe-se que as peças de Rodrigues sinalizam a crise do drama moderno, sua negação, e não adesão. A liberdade de atuação ou o poder de decisão nas relações intersubjetivas – pedra angular do drama moderno – não têm lugar em suas tramas, pois elas se encerram no círculo estreito da tragédia familiar e/ou na clausura subjetiva de conflitos psicológicos, quando não caracterizam as personagens sob o aguilhão do determinismo naturalista.
Júlia Lopes de Almeida e as encenações da “belle époque tropical”
Propomos percorrer sucintamente a trajetória social e literária de Júlia Lopes de Almeida, conferindo especial ênfase a sua faceta dramatúrgica. A reflexão aqui proposta é um preâmbulo à publicação do texto teatral de O caminho do céu, Drama em 1 Ato, para cuja escolha consideramos o fato de se tratar, até onde nos é dado saber, da primeira investida de Júlia Lopes de Almeida como teatróloga. O manuscrito em tela, um documento autógrafo datado de 1883, fora produzido quando a escritora contava 21 anos de idade e residia com sua família na cidade de Campinas.
O uso de expedientes expressionistas nas peças Not about nightingales, de Tennessee Williams, e The hairy ape, de Eugene O'Neill
Apoiando-se na literatura recente que teoriza o papel do teatro experimental e dos elementos expressionistas no drama norte-americano do início do século XX, este artigo examina a função desses recursos em Not about nightingales (1938), de Tennessee Williams, e The hairy ape (1922), de Eugene O’Neill. A pesquisa adota uma abordagem comparativa da dramaturgia, entendida como a análise de textos teatrais orientada para a identificação e interpretação dos procedimentos formais que estruturam a ação dramática e contribuem para a construção de sentidos cênicos. Tal abordagem fundamenta-se nos estudos de Julia Walker (2005), Peter Szondi (2001) e outros teóricos do teatro experimental e expressionista, que exploram as transformações formais do teatro moderno e o papel de dispositivos não realistas na configuração da cena teatral. A metodologia consiste na análise comparativa de textos dramáticos, centrada no uso não convencional de aspectos formais – como estrutura, coro, sonoridade e ambientação – e no impacto desses elementos na composição teatral e na construção de sentidos. A originalidade do estudo reside na proposição de uma leitura do expressionismo que transcende sua associação ao movimento europeu, explorando como ele foi ressignificado e adquiriu contornos próprios no teatro norte-americano. Além disso, o artigo busca preencher uma lacuna nos estudos comparados de dramaturgia ao aproximar duas peças que, embora pertençam a contextos distintos, compartilham preocupações estéticas e temáticas pouco analisadas em conjunto, contribuindo também para uma reavaliação crítica da obra de Tennessee Williams, frequentemente restringida à ótica do realismo dramático. Os resultados revelam que, embora ambas as peças empreguem expedientes expressionistas para representar o distanciamento do indivíduo em relação ao mundo moderno, suas abordagens estruturais divergem: em The hairy ape, O’Neill isola seu protagonista por meio do drama de estações, enfatizando sua alienação perante a sociedade; já Williams, em Not about nightingales, evidencia o confinamento do sujeito moderno ao apresentar episódios fragmentados ao longo dos três atos. Em ambas as obras, a atmosfera subjetiva, delineada por elementos não verbais, reforça a crítica à condição de não pertencimento do indivíduo. Assim, esta pesquisa contribui para o campo dos estudos teatrais ao demonstrar como o uso de expedientes expressionistas ampliou as possibilidades do experimentalismo teatral nos Estados Unidos ao longo do século XX e ao oferecer uma perspectiva metodológica comparativa capaz de aprofundar a compreensão das relações entre forma dramática e crítica social.
A honra no teatro espanhol do século XVII
A honra é um conceito central para se entender o funcionamento de uma sociedade de corte do século XVII. Ao legitimar a pertença de um indivíduo no corpo social, a honra deve ser protegida, por meio do emprego de técnicas adequadas, da murmuração. Assim, este artigo pretende analisar como o tema da honra é desenvolvido no teatro espanhol seiscentista, especificamente nas peças de Lope de Vega (1562-1635) e de Tirso de Molina (1579-1648). Para isso, adotamos uma metodologia bibliográfica e analítica, bem como reconstruímos preceitos poético-retóricos e teológico-políticos vigentes no século XVII a fim de propor interpretações às peças à luz de convenções presentes no momento de produção desses textos. Como resultado, procuramos demonstrar que, no teatro de Lope de Vega e Tirso de Molina, a honra é representada a partir do entendimento seiscentista sobre esse conceito. Por isso, as peças associam a honra à virtude e à opinião alheia, colocam-na como parte da justiça distributiva e a metaforizam na cana e no vidro.
REVISTA DRAMATURGIA EM FOCO, v. 6, n. 1, 2022
Apresentação - v. 8, n. 3, 2024 Dossiê 1974-2024 - Cinquentenário de morte de um dramaturgo brasileiro fundamental: Oduvaldo Vianna Filho
Editorial - v. 8, n. 3, 2024 Cinquentenário de morte de um dramaturgo brasileiro fundamental: Oduvaldo Vianna Filho
Apresentação - v. 8, n. 2, 2024 1983-2023: 40 anos sem a presença de Tennessee Williams - textos do dossiê 2023 traduzidos para outras línguas
Editorial v. 8, n. 2, 2024 Special Edition 1983-2023: 40 years without the presence of Tennessee Williams
Editorial v. 8, n. 2, 2024 Edición Especial 1983-2023: 40 años sin la presencia de Tennessee Williams
Editorial v. 8, n. 2, 2024 1983-2023: 40 anos sem a presença de Tennessee Williams - textos do dossiê 2023 traduzidos para outras línguas